Mostrando entradas con la etiqueta Aniversario. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Aniversario. Mostrar todas las entradas

sábado, 2 de mayo de 2015

ANTE UN NUEVO ANIVERSARIO DE LA MUERTE DE WILLIAM SHAKESPEARE


Alrededor de 1860 -al tiempo que culminaba su obra Los miserables- Victor Hugo escribió desde el destierro: "Shakespeare no tiene el monumento que Inglaterra le debe". A esas alturas del siglo XIX, la obra del que hoy es considerado el autor dramático más grande de todos los tiempos era ignorada por la mayoría y despreciada por los exquisitos. Las palabras del patriarca francés cayeron como una maza sobre las conciencias patrióticas inglesas; decenas de monumentos a Shakespeare fueron erigidos inmediatamente.
En la actualidad, el volumen de sus obras completas es tan indispensable como la Biblia en los hogares anglosajones; HamletOtelo o Macbeth se han convertido en símbolos y su autor es un clásico sobre el que corren ríos de tinta. A pesar de ello, William Shakespeare sigue siendo, como hombre, una incógnita.
Grandes lagunas, un ramillete de relatos apócrifos y algunos datos dispersos conforman su biografía. Ni siquiera se sabe con exactitud la fecha de su nacimiento. Esto daría pie en el siglo pasado a una extraña labor de aparente erudición, protagonizada por los "antiestratfordianos", tendente a difundir la maligna sospecha de que las obras de Shakespeare no habían sido escritas por el personaje histórico del mismo nombre, sino por otros a los que sirvió de pantalla. Francis Bacon, Edward de Vere, Walter Raleigh, la reina Isabel I e incluso la misma esposa del bardo, Anne Hathaway, fueron los candidatos propuestos por los especuladores estudiosos a ese ficticio Shakespeare. Según otra teoría, su amigo el dramaturgo Christopher Marlowe habría sido el verdadero autor: no habría muerto a los veintinueve años, en una pelea de taberna como se creía, sino que logró huir al extranjero y desde allí enviaba sus escritos a Shakespeare.
Ciertos aficionados a la criptografía creyeron encontrar, en sus obras, claves que revelaban el nombre de los verdaderos autores. En consonancia con las carátulas teatrales, Shakespeare fue dividido en el Seudo-Shakespeare y en Shakespeare el Bribón. Bajo esta labor de mero entretenimiento alentaba un curioso esnobismo: un hombre de cuna humilde y pocos estudios no podía haber escrito obras de tal grandeza.
Afortunadamente, con el transcurrir de los años, ningún crítico serio, menos dedicado a injuriar que a discernir, más preocupado por el brillo ajeno que por el propio, ha suscrito estas anécdotas ingeniosas. Pero de las muchas refutaciones con que han sido invalidadas, ninguna tan concluyente, aparte de los escasos pero incontrovertibles datos históricos, como el testimonio de la obra misma; porque a través de su estilo y de su talento inconfundible podemos descubrir al hombre.

Los orígenes
En el sexto año del reinado de Isabel I de Inglaterra, el 26 de abril de 1564, fue bautizado William Shakespeare en Stratford-upon-Avon, un pueblecito del condado de Warwick que no sobrepasaba los dos mil habitantes, orgullosos todos ellos de su iglesia, su escuela y su puente sobre el río. Uno de éstos era John Shakespeare, comerciante en lana, carnicero y arrendatario que llegó a ser concejal, tesorero y alcalde. De su unión con Mary Arden, señorita de distinguida familia, nacieron cinco hijos, el tercero de los cuales recibió el nombre de William. No se tiene constancia del día de su nacimiento, pero tradicionalmente su cumpleaños se festeja el 23 de abril, tal vez para encontrar algún designio o fatalidad en la fecha, ya que la muerte le llegó, cincuenta y dos años más tarde, en ese mismo día.
Así, pues, no fue su cuna tan humilde como asegura la crítica adversa, ni sus estudios tan escasos como se supone. A pesar de que Ben Johnson, comediógrafo y amigo del dramaturgo, afirmase exageradamente que "sabía poco latín y menos griego", lo cierto es que Shakespeare aprendió la lengua de Virgilio en la escuela de Stratford, aunque fuera como alumno poco entusiasta, extremos ambos que sus obras confirman. La madre provenía de una vieja y acomodada familia católica, y es muy posible que el poeta, junto con sus dos hermanos y una hermana, fuese educado en la fe de su madre.
Sin embargo, no debió de permanecer mucho tiempo en las aulas, pues cuando contaba trece años la fortuna de su padre se esfumó y el joven hubo de ser colocado como dependiente de carnicería. A los quince años, según se afirma, era ya un diestro matarife que degollaba las terneras con pompa, esto es, pronunciando fúnebres y floreados discursos. Se lo pinta también deambulando indolente por las riberas del Avon, emborronando versos, entregado al estudio de nimiedades botánicas o rivalizando con los más duros bebedores y sesteando después al pie de las arboledas de Arden.
A los dieciocho años hubo de casarse con Anne Hathaway, una aldeana nueve años mayor que él cuyo embarazo estaba muy adelantado. Cinco meses después de la boda tuvo de ella una hija, Susan, y luego los gemelos Judith y Hamnet. Pero Shakespeare no iba a resultar un marido ideal ni ella estaba tan sobrada de prendas como para retenerlo a su lado por mucho tiempo. Los intereses del poeta lo conducían por otros derroteros antes que camino del hogar. Seguía escribiendo versos, asistía hipnotizado a las representaciones que las compañías de cómicos de la legua ofrecían en la Sala de Gremios de Stratford y no se perdía las mascaradas, fuegos artificiales, cabalgatas y funciones teatrales con que se celebraban las visitas de la reina al castillo de Kenilworth, morada de uno de sus favoritos.
Según la leyenda, en 1586 fue sorprendido in fraganti cazando furtivamente. Nicholas Rowe, su primer biógrafo, escribe: "Por desgracia demasiado frecuente en los jóvenes, Shakespeare se dio a malas compañías, y algunos que robaban ciervos lo indujeron más de una vez a robarlos en un parque perteneciente a sir Thomas Lucy, de Charlecote, cerca de Stratford. En consecuencia, este caballero procesó a Shakespeare, quien, para vengarse, escribió una sátira contra él. Este acaso primer ensayo de su musa resultó tan agresivo que el caballero redobló su persecución, en tales términos que obligó a Shakespeare a dejar sus negocios y su familia y a refugiarse en Londres". Pero es más plausible que el virus del teatro lo impulsara a unirse a alguna farándula de cómicos nómadas de paso por Stratford, abandonando hijos y esposa y trocándolos por la -a la vez- sombría y espléndida capital del reino.

Los misterios de Shakespeare
Es cierto que la juventud del poeta ofrece los pasajes más desconocidos para el biógrafo. Sin embargo, los verdaderos misterios de su vida pertenecen a aquellos años en que su carrera puede ser reconstruida con bastante fidelidad. El más conocido de estos enigmas está relacionado con sus Sonetos, publicados en 1609, pero escritos, en su mayor parte, unos diez o quince años antes. Uno de los protagonistas de los 154 sonetos es un apuesto joven a quien el poeta admira mucho, y el otro es la famosa dark lady, "dama morena", que le fue infiel con el anterior.
Muchos intentaron encontrar en estos poemas claves de la vida interior de Shakespeare, pruebas de su presunta homosexualidad, afirmando que el joven galán de los sonetos o, tal vez, la "dama morena" no era otro que el conde de Southampton, mecenas del debutante autor, a quien le había dedicado sus dos primeras obras poéticas. No se sabe con certeza quién era el objeto de la adoración secreta del poeta. Sus únicas referencias personales comprensibles y claras son menudencias: que sufría de insomnio, que le gustaba la música, que reprobaba las mejillas pintadas y el uso de las pelucas.
Otra de las incógnitas es que sus años de más éxito social, económico y profesional, entre 1603 y 1612, coinciden con la época de sus grandes tragedias, sus obras más amargas y desilusionadas, como OteloEl rey LearMacbethAntonio y Cleopatra,Coriolano y Timón de Atenas. Incluso la última comedia de estos años, Medida por medida, es más sombría que muchos de sus dramas. Además, sus últimas cuatro obras, PericlesCimbelinoEl cuento de invierno y La tempestad, su maravillosa despedida del teatro y del mundo, muestran una curiosa incursión de elementos novelescos y pastoriles en su teatro, sin duda bajo la Influencia de la nueva generación de dramaturgos como Francis Beaumont o John Fletcher. Hay otras dos obras, Enrique VIII y Los dos nobles parientes, ambas de 1612-1613, cuya autoría parcial suelen atribuírsele, ya que según todos los indicios fueron escritas en colaboración con el joven Fletcher, con las que el número de sus piezas teatrales sumarían 38. Pero La tempestad es considerada universalmente como su última obra.
Sea como fuere, lo cierto es que alrededor de 1613, es decir a los cuarenta y ocho años de edad, en pleno poder de sus facultades mentales y en el cenit de su carrera, Shakespeare rompió abruptamente con el teatro y se retiró a su ciudad natal como podría hacerlo un pequeño burgués que después de una vida de trabajo quisiera gozar de sus bienes en la quietud campestre. Sus últimos años transcurrieron como los de un respetado hidalgo rural: participaba en la vida social de Stratford, administraba sus propiedades y compartía sus días con sus familiares y vecinos.
Sus obras siguieron en cartelera hasta después de su muerte, y debió conservar algún contacto, aunque sólo amistoso, con el teatro. Incluso se dijo, según una leyenda registrada casi medio siglo después, que murió a consecuencia de un banquete celebrado en compañía de su colega Ben Jonson. Contradice a esta historia el hecho de que un mes antes de su muerte dictara su testamento rubricándolo con una firma temblorosa que permite imaginar que ya se encontraba enfermo.


sábado, 14 de marzo de 2015


GUAYASAMÍN, Y LA PERMANENTE DENUNCIA DEL DRAMA HUMANO




Osvaldo Guayasamín nació en Quito –Ecuador- el 6 de julio de 1919 y murió en Baltimore el 10 de marzo de 1999. Comenzó a pintar y dibujar desde su infancia, y vendía sus trabajos a los turistas para costearse los estudios. Aunque debió enfrentar la oposición paterna para hacerlo, finalmente se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de Quito, en la que permaneció durante siete años y de la que recibió el título de Pintor y Escultor en 1941, siendo el mejor alumno de su promoción.
El período durante el cual Guayasamín recibió su formación estética fue el de mayor auge de la Escuela Indigenista, y la influencia de esta corriente en el pintor es evidente desde sus obras iniciales. En 1942 realizó su primera exposición en Quito, que causó gran escándalo por su marcado carácter de denuncia social. Poco después se trasladó a México, donde trabajó algunos meses con el gran muralista Orozco, quien ejerció una importante influencia en la definición del lenguaje estético del joven pintor ecuatoriano.
En 1943 pasó siete meses en los Estados Unidos recorriendo distintos museos a fin de estudiar las obras de Goya y El Greco, entre otros maestros. A comienzos de la década de 1940 trabó amistad con Pablo Neruda y realizó un largo viaje por Chile, Perú, Argentina, Bolivia y Uruguay, durante el cual tomó apuntes para su gran serie Huacayñán ("El camino del llanto"), compuesta por más de cien telas que giran en torno a la temática del indígena, el negro y el mestizo en América.
La realización de este trascendental trabajo fue posible gracias al apoyo que le brindó Benjamín Carrión desde la recién creada Casa de la Cultura. Las telas que integran la serie Huacayñán fueron expuestas por primera vez en 1952, en el Museo de Arte Colonial de Quito y, a lo largo del mismo año, en la Unión Panamericana de Washington y en la III Bienal Hispanoamericana de Arte, realizada en Barcelona (España), que le concedió el Gran Premio de Pintura.
Guayasamín ha aunado la fuerza de la temática indígena con los logros de las vanguardias de principios de siglo, especialmente el cubismo y el expresionismo, elementos que se advierten en el mural en mosaico de cristal veneciano denominado Homenaje al Hombre Americano, que realizó en 1954 para el Centro Simón Bolívar de la ciudad de Caracas, Venezuela. En 1957 recibió el Premio Mejor Pintor de Sudamérica, concedido por la Bienal de São Paulo, Brasil.

Durante 1958 realizó dos importantes murales en el Ecuador: El descubrimiento del Río Amazonas, realizado en mosaico veneciano, que se encuentra en el Palacio de Gobierno de Quito, y el mural Historia del Hombre y la Cultura, para la Facultad de Jurisprudencia de la Universidad Central del Ecuador. En 1960 recibió el Gran Premio del Salón de Honor de la II Bienal de Pintura, Escultura y Grabado de México, un galardón que significó el comienzo de su proyección internacional.
Tras varios años de intenso trabajo, en 1968 presentó en el Museo de Bellas Artes de la Ciudad de México su segunda serie de envergadura, titulada La edad de la ira y compuesta por 260 obras que se agrupan por series (Las manosCabezasEl rostro del hombreLos campos de concentraciónMujeres llorando), en las que el pintor recoge diversos elementos de su experiencia vital para plasmar en una deslumbrante sucesión de telas el drama y la tragedia del hombre de nuestro tiempo.
La edad de la ira ha sido considerada una de las últimas grandes realizaciones del cartel político en pintura del siglo XX y tras su exhibición en México fue presentada, a lo largo de 1973, en el Palacio de la Virreina (Barcelona), en las Galerías Nacionales de Praga y en el Museo de Arte Moderno de París. En 1971 se dedicó al monumento escultórico denominado La Patria Joven, que se encuentra en la ciudad de Guayaquil y, al año siguiente, el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid acogió una muestra de sus últimas obras.
En 1973 fue nombrado vicepresidente, y luego presidente, de la Casa de la Cultura de Quito, cargo que le permitió realizar un amplio programa de difusión cultural. En 1974 recibió la Condecoración del gobierno de Francia, que por primera vez se concedió a un artista latinoamericano. Durante el año 1977, como homenaje a su trabajo, el Ministerio de Relaciones Exteriores organizó en Quito una retrospectiva de su obra, parte de la cual se expuso simultáneamente en varias ciudades de España. En 1980 inauguró su mural Ecuador en el Consejo Provincial de Pichincha y, en 1982, terminó otro mural, denominado España-Hispanoamérica, que se encuentra en el Aeropuerto Internacional de Barajas, en Madrid.
En 1981 la Cámara de Representantes del Ecuador reconoció la obra y la trascendencia del artista mediante la creación de la Fundación Guayasamín, patrimonio cultural del país, a la que el pintor donó sus obras y colecciones de arte.


A 82 AÑOS DE LA MUERTE DEL PADRE DEL CINEMATÓGRAFO


George Eastman nació en Waterwille el 12 de julio de 1854 y murió en
Rochester el 14 de marzo de 1932. Inventor e industrial norteamericano, comenzó en 1877 su carrera fotográfica al descubrir la fórmula por la que, al aplicar una emulsión de gelatina al cristal para hacer placas fotográficas secas, se obtenía de ellas una mayor sensibilidad y versatilidad que con las anteriores placas húmedas. Formó entonces la Eastman Dry Plate Company, con el fin de comercializar sus innovaciones. Buscó, asociándose William Walker, fabricante de cámaras fotográficas, un método fácil y económico de captar las imágenes.
En 1884 patentó una película transparente y flexible montada sobre un soporte de papel. Esta primera película se enrollaba en un aparato montado en una cajita, a la que llamó Kodak, que comercializó por el módico precio de 25 dólares. Estas cámaras fotográficas se enviaban a la empresa fabricante para su recarga. Contrató al químico Henry Reichenbach y con él desarrolló el soporte ideal para sus emulsiones, una nueva película transparente llamada celuloide, y así en 1899 bastaba enviar el carrete utilizado. Se popularizó por entonces el "You press the button, we do the rest" (usted aprieta el botón, nosotros hacemos lo demás) utilizado como reclamo publicitario.

Eastman llegó a ser un gran empresario. Organizó una empresa con el nombre de Eastman Kodak Company, que poco a poco fue adquiriendo las firmas rivales estadounidenses e irrumpió en los mercados europeos. Fue la primera empresa que implantó los servicios sanitarios y que repartió los beneficios con sus empleados. Además de inventor, se le puede calificar de tecnólogo, organizador, líder y sobre todo filántropo, ya que donó todas sus pertenencias, más de 100 millones de dólares a instituciones médicas, artísticas, educativas y científicas. Inventó, además, la cámara Kodak Brownie en 1900, en 1923 la cámara de cine de 16 milímetros Cine-Kodak y en 1932 la cámara de 8 milímetros.

sábado, 27 de diciembre de 2014

ALEXANDRE GUSTAVE EIFFEL, CONSTRUCTOR DE GIGANTES



Alexandre Gustave Eiffel nació en Dijon el 15 de diciembre de 1832 y murió en París el 27 de diciembre de 1923. Ingeniero y arquitecto, tras graduarse en la Escuela de Artes y Oficios de París 1855, se especializó en la construcción de puentes metálicos. Su primera obra de este tipo la realizó en Burdeos en 1858; en 1877 diseñó el impresionante arco de metal de 160 metros del puente sobre el Duero, cerca de Oporto. Poco más tarde superó su propia marca con el viaducto de Garabit, durante muchos años el tendido artificial más alto del mundo (120 metros). Pionero a la hora de considerar el factor aerodinámico en sus construcciones, hasta el punto de construir en Auteuil el primer laboratorio de aerodinámica, se incluyen en su haber obras tan diversas como el domo móvil del observatorio de Niza o la estructura metálica de la célebre estatua de la Libertad, en Nueva York.
Sin embargo, su mayor logro fue la impresionante torre de acero situada en París y que fue bautizada con su nombre. La torre Eiffel se edificó en el Campo de Marte de París para la Exposición Universal de 1889. Actualmente es uno de los edificios más conocidos del mundo y se ha convertido en el símbolo de la capital francesa.
La organización de la Exposición Universal, conmemorativa del centenario de la Revolución Francesa (1789), fue aprovechada por Eiffel para demostrar al mundo los avances tecnológicos de la arquitectura de su país mediante la erección de una torre de 300 metros de altura y estructura de hierro. Tras la aprobación del proyecto (concebido por su colaborador Maurice Koechlin) por el organismo competente, se erigió en la orilla izquierda del Sena, en pleno centro de París. Las obras se iniciaron en 1887 y en su construcción se invirtieron dos años y 6.900 toneladas de hierro.
La torre se levanta sobre una base cuadrada de 125 metros, que tiene incrustados en sus ángulos los cuatro soportes de arranque en los que se inscriben los elegantes arcos que sostienen los diferentes pisos. Las curvas de los cuatro laterales proporcionan una impresión de fuerza y de belleza y los huecos favorecen el paso del aire, garantizando la estabilidad del edificio. Su sistema de ascensores de gran cabida fue el primero que se instaló en el mundo. Sus 300 metros la convirtieron en el edificio más alto del mundo hasta la inauguración del Empire State Building de Nueva York en 1922.
Su construcción despertó una encendida polémica, pues muchos la consideraban una tosca estructura carente de sensibilidad artística. En los inicios de su construcción, un grupo de intelectuales -entre los que destacaban Garnier y Zola- firmaron una carta de protesta dirigida al comisario de la Exposición, en la que se quejaban de esa "torre vertiginosa y ridícula que domina París, como una gigantesca y oscura chimenea de fábrica". El compositor Charles Gounod y el escritor Alexandre Dumas, hijo, redactaron una carta de protesta por la construcción de la torre; el escritor Guy de Maupassant abandonó París para demostrar su disgusto. Pero una vez acabada, muchos de los detractores iniciales se sintieron seducidos "por lo fantástico que deleita nuestra pequeñez. Bien plantada sobre sus piernas arqueadas, sólida, enorme, monstruosa, brutal, se diría que, despreciando silbidos y aplausos, trata de buscar y desafiar al cielo, sin importarle lo que se mueva a sus pies".
Concebida inicialmente como atracción temporal, en 1909 fue comprada por el estado francés. Más tarde se pensó en su demolición debido a los elevados costos de mantenimiento y al peligro de un futuro debilitamiento de la estructura por oxidación. Sin embargo la fuerte reacción popular ante la idea de que la torre, considerada como un símbolo nacional, desapareciera, hizo que se desistiera de tal propósito. En la actualidad, además de constituir una atracción turística, la torre alberga las instalaciones de la Radiotelevisión Francesa y funciona como baliza para los aviones que se dirigen al aeropuerto parisiense de Orly.



sábado, 6 de septiembre de 2014

NICANOR PARRA, INCUESTIONABLEMENTE ANTIPOETA



Nicanor Segundo Parra Sandoval nació en San Fabián de Alico el 5 de septiembre de 1914.
Es un poeta, matemático y físico chileno cuya obra ha tenido una profunda influencia en la literatura hispanoamericana. Considerado el creador de la antipoesía, Parra es, en palabras de Harold Bloom, «incuestionablemente, uno de los mejores poetas de Occidente».
El mayor de la Familia Parra —cantera de connotados artistas y músicos de la cultura chilena—ha sido galardonado con el Premio Nacional de Literatura 1969 y con el Cervantes 2011, entre otros.
El poeta nació en el seno de una modesta familia cerca de Chillán y desde pequeño alternó su residencia entre Santiago, Lautaro, Ancud y Chillán. Creció en un ambiente artístico, ya que su padre, Nicanor Parra, era profesor primario y músico, y su madre, Rosa Clara Sandoval Navarrete, "tejedora y modista de origen campesino, también tenía aficiones artísticas y solía cantar canciones folclóricas".
En 1927  ingresó en el Liceo de Hombres de Chillán, hoy Liceo Coeducacional "Narciso Tondreau", donde cursó hasta el quinto año de Humanidades y en 1932 partió a Santiago para terminar la educación secundaria en el Internado Nacional Barros Aranagracias a una beca de la Liga de Estudiantes Pobres. Ahí conoció a Jorge Millas, Luis Oyarzún y Carlos Pedraza, con los cuales tuvo gran afinidad artística. Posteriormente ingresó al Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile, donde estudió Matemáticas y Física. También tomó Ingeniería, Derecho e Inglés, pero pronto los abandonó. Financió la universidad desempeñándose como inspector del Internado Nacional Barros Arana. En ese colegio comenzó a publicar, junto a Millas y Pedraza, la Revista Nueva en 1935, donde apareció su primer anticuento, Gato en el camino. Más tarde fue profesor en su alma máter, donde llegó a ser director de Física, cargo al que renunció en 1968.
El primer libro que publicó fue Cancionero sin nombre ese mismo año de 1935. Allí "incorporó la figura métrica del romance, el desarrollo narrativo de los poemas y el hablante poético como personaje de los versos. Según la crítica especializada, el modelo de este poemario fue el Romancero gitano de Federico García Lorca, aunque ya existen elementos que prefiguran la antipoesía. La sintonía con el romance provino del conocimiento de la cultura tradicional campesina que lo rodeó desde niño".
Regresó a Chillán en 1937 para desempeñarse como profesor de matemáticas y física en el liceo donde había estudiado. Al año siguiente obtiene el Premio Municipal de Santiago por su contribución a la física y la matemática.
En 1943 viaja a Estados Unidos a estudiar mecánica avanzada al medio en la Brown University, mediante una beca del Institute of International Education. Regresa en 1946 y se incorpora a la Universidad de Chile como profesor titular de Mecánica Racional. En 1948 es nombrado director interino de la Escuela de Ingeniería de esa institución docente y al año siguiente parte a Inglaterra gracias a la beca del Consejo Británico con la intención de estudiar cosmología en Oxford. Su paso por esos países, particularmente la inmersión en la vida cotidiana de dos sociedades desarrolladas, y su oposición a la poesía tradicional de Pablo Neruda, son fundamentales en la gestación de sus antipoemas.
Vuelve a Chile en 1951, casado con la sueca Inga Palmen. En los Anales de la Universidad de Chile aparece una selección de sus antipoemas. Al año siguiente realiza nuevos avances en la poesía no tradicional, montando junto a Enrique Lihn, Alejandro Jodorowsky y otros la poesía-mural quebrantahuesos, hecha con recortes de diarios.

En 1954 aparece Poemas y antipoemas, su segundo libro, "que produjo un corte radical en la poesía chilena e hispanoamericana, y marcó la irrupción del modelo antipoético". El sistema antipoético incluye entre sus elementos un personaje antiheróico, humor, ironía, sarcasmo y un verso cuyo léxico y sintaxis no obedecen al modelo literario clásico, sino al lenguaje cotidiano. En su país, este nuevo estilo de poesía fue apoyado públicamente por el crítico literario Ignacio Valente, quien ha resultado ser uno de sus máximos divulgadores.
Invitado en 1959 al Congreso Mundial de la Paz en Pekín, vuela primero a Estocolmo, debido a que los viajes a los países del socialismo real, en esa época de la guerra fría, eran controlados por los organismos de seguridad occidentales. Visita a Artur Lundkvist, entonces secretario permanente de la Academia Sueca, y en casa de este conoce a la escritora Sun Axelsson, con quien se unirá sentimentalmente y que motivará, luego, el viaje de ella a Chile.
El mismo Parra ha dicho sobre su obra: “Durante medio siglo la poesía fue el paraíso del tonto solemne hasta que vine yo y me instalé con mi montaña rusa".
Parra es también un artista que ha expuesto su obra visual en Estados Unidos, España y, por supuesto, Chile. Su exposición mediática Obras públicas (2006), presentada en elCentro Cultural Palacio de La Moneda, mostraba una instalación titulada El pago de Chile, en la cual aparecían ahorcados todos los presidentes de ese país, lo que causó gran impacto.6 El mismo año presentó el volumen Obras completas I & algo +, que fue el más vendido en la Feria Internacional del Libro de Santiago.
En septiembre de 2010, días después de cumplir 96 años, comenzó una huelga de hambre en apoyo a la treintena de comuneros mapuche que ayunaban desde el 12 de julio del mismo año.
El 1 de diciembre de 2011 fue galardonado con el premio Cervantes, convirtiéndose en el tercer chileno —después de Jorge Edwards en 1999 y Gonzalo Rojas en 2003 — en ganar el Nobel hispanoparlante. Carmen Caffarel, directora entonces del Instituto Cervantes, expresó: «el Premio Cervantes reconoce esta vez no solo la valía de un creador universal, sino también la necesidad de la búsqueda de nuevas formas de expresión y la exploración de las fronteras comunicativas del ser humano». Debido a la avanzada edad del poeta, éste no pudo asistir a la premiación, yendo en su lugar su nieto Cristóbal Ugarte.

El 7 de junio de 2012 fue galardonado con el Premio Iberoamericano de Poesía Pablo Neruda, siendo elegido de manera unánime por su gran trayectoria, por su aporte al enriquecimiento del lenguaje poético latinoamericano, por su humor, su ironía, su mirada infatigablemente crítica y por la extraordinaria diversidad de sus búsquedas como antipoeta, poeta visual y traductor. El jurado estuvo conformado por los chilenos Claudio Bertoni y Pedro Gandolfo, el cubano Virgilio López, el inglés Niall Binns y la argentina Valeria Zurano. El premio correspondió a 60 mil dólares, más un diploma y una medalla. Al ser informado de la noticia por el Ministro de Cultura Luciano Cruz-Coke vía telefónica, Parra señaló: No es la primera vez que me dan un premio que no merezco y espero que no sea la última (...) Me querellaré contra quienes resulten responsables.

sábado, 15 de marzo de 2014

El pasado 10 de marzo se cumplieron 78 años del nacimiento de Alfredo Zitarrosa.

Lo recordamos  a través del testimonio de sus familiares, amigos y admiradores.

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 1_1.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 1_2.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 1_3.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 1_4.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 1_5.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 1_6.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 2_1.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 2_2.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 2_3.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 2_4.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 2_5.mp4

Alfredo Zitarrosa - Cantando a nombre de mi tierra 2_6.mp4


QUEREMOS TANTO A ALFREDO



Aldo Roque Difilippo


Más que hablar Alfredo Zitarrosa dejemos que hablen sus creaciones. Solía decir:"Yo no soy poeta, quizá en mi canción se pueda hallar una metáfora afortunada, pero no creo que eso sea poesía. Pienso que la canción rinde tributo de amor a la poesía".







ADAGIO EN MI PAÍS: "Resultó ser una canción buena y hoy pienso que es la mejor canción que hice. Aunque aseguro que sí, es cierto que lloraba cuando la escribía (...) Esta canción contiene cuanto quise poner en ella, todo cuanto pude, especialmente mi amor por nuestro pueblo, mi personal conciencia del proceso que estamos viviendo los uruguayos: eventualmente, incluso, eso que hoy se llama 'compromiso' y que, a mi juicio, es nada más -o nada menos- que simple y pura honradez".
 
BARRIO SUR: "... es una vidalita que quiso ser un tango. Fue escrita sobre un texto que arreglé, casi que destripé, pero en este caso, con la aprobación del autor(...). Pero se quedó en vidalita, tal vez por que yo en mi formación, soy del campo. El tango en cambio, es un género ciudadano. Esta vidalita hecha sobre el texto del poeta Enrique Estrázulas, trata de un barrio donde yo viví muchos años...".

CHAMARRITA DE LOS MILICOS: "...Fue escrita de un tirón en la mesa de un bar de Blvr.Artigas y 18 de Julio, el 27 de enero de 1970. Ese día había nacido mi hija Carla Moriana y yo sentía que le estaba escribiendo al que no pudo ser su abuelo, mi padre adoptivo, Carlos Durán, quien siendo hijo de coronel "colorado", había terminado de "milico" en los años 40. (...)Carlos no era mi padre y yo lo sabía. Era muy viejo para ser mi mejor amigo, pero cuando ya viudo me pidió que no lo abandonara, sentí que más que mi padrastro era mi hermano, y lo acompañé hasta el final, y lo enterré, con ayuda de sus sobrinos auténticos, después de rescatarlo, desnudo, de la morgue del Hospital Militar. Su ataúd sonó como un bramido al dar un tumbo en el fondo del Panteón Policial del Buceo..."

 
DOÑA SOLEDAD: "Habla el candombe de la libertad, allá en vísperas de los años setenta. Y pregunta ¿qué es lo que quieren decir con eso de la libertad? Hoy más que nunca nuestro pueblo sabe, que lo que necesita y lo que va a conquistar, sin duda, es la libertad concreta, aquella que consiste en que cada ser humano, por el sólo hecho de haber nacido, tiene derecho a su vivienda, a su alimento, a su higiene, a su salud, a su educación, ¡a la libertad en todo caso!..."


DIEZ DÉCIMAS DE SALUDO AL PÚBLICO ARGENTINO: "Tuve que hacer unos versos en forma más o menos rápida, para demostrarle al vecino pueblo hermano, todo mi afecto..., y quise que estuvieran prontos para mi actuación en el Teatro Enrique Santos Discépolo. Pero la música, es un ritmo de milonga tradicional, clásica, que en realidad fue "impuesta" ahí para poder cantar esos versos. No hay una relación entre ambas. Una está desprendida de la otra. Por eso, si bien los versos son correctos, la obra como tal no es buena".


DULCE JUANITA: "Yo había comprado un canario cantor Roller, de voz grave, que se llamaba "Parménidez". Un día le regalé una compañera, "Juanita", pero acaso porque era pichón, Parménidez resultó infecundo. Juanita se empeñó en poner huevos que no se abrían. Llegó a hacer seis posturas de cinco huevos. ¡Una barbaridad!. (...)Una noche, al volver de una actuación, la encontré esponjadita, como si tuviera frío. No se me ocurrió que no podía desovar: es una cosa que se arregla fácilmente... Era preciosa Juanita, de color naranja".
(...) "Nunca la canté ni la pienso cantar en público. Incluso cuando la grabé, puse mi voz sobre la música de las guitarras que ya estaba grabada. Al operador del estudio le dije que apagara las luces. Estábamos solos en el estudio. No quería que me viera llorar".


EL LOCO ANTONIO: -José Antonio Dotta- "Mi padre, los fines de semana, los sábados nada más, me llevaba al bar donde él se reunía con amigos. Me compraba un chocolatín y yo me quedaba allí, observando a la gente. Entre los amigos había un señor, que era conocido con el apodo de 'el comunista'. Un hombre vestido de overol, lo recuerdo claramente, de nombre Antonio, a quien también le decían 'el loco Antonio'. Era un pescador. Aunque vestía de overol, se dedicaba a la pesca. Seguro que era el  único comunista del pueblo, de ahí aquello de loco, porque claro, para la gente de aquellos años en el pueblo Santiago Vázquez, a orillas del río Santa Lucía, ambos términos serían equivalentes.
Cuando había bajantes en el río, grandes bajantes, yo veía a Antonio, casi en la desembocadura del río Santa Lucía, a la vera de su rancho mirando 'pa'la canal', allí donde todavía quedaba agua corriendo, donde aún había pesca. Tenía que esperar horas, a veces un día entero, para poder pescar, porque en su precaria embarcación, no podía atravesar aquel cangrejal".


EL OLOR A LEÑA BOBBY: "Lo poco que yo pueda saber de tocar guitarra, que por cierto es bien poco, se lo debo a Bobby (Pimentel). Con él aprendí fundamentalmente el ritmo de zamba, que es lo más fácil. Además a Bobby le apasiona ese género, sobre todo las zambas clásicas argentinas".


EL VIOLÍN DE BECHO: "A Becho lo conocí por 1965 en el Bar Outes. El es oriundo de Rocha, de la ciudad de Lascano. 'Becho' es una deformación del italiano "vecchio". (...)Cuando  Becho escuchó por primera vez la canción me dijo: 'es linda'.(...)En una parte la canción dice "Becho tiene un violín que no ama"; se refiere a que el violín que más quería Becho -un Tissa-Videck- lo tuvo que vender o empeñar porque también él, que es un gran artista, un gran instrumentista, un gran músico, no puede vivir de su profesión".


GUITARRA NEGRA: "En lo que tiene que ver con Guitarra Negra, son unos apuntes que yo había hecho acá, donde criticaba todas y cada una de mis canciones que había hecho. Una buena parte de ese texto lo descarté y dejé allí todo aquello que era testimonio de lo que me había contecido como cantor popular en un régimen de corte neofascista. (...)  Además pienso que habría que grabar Guitarra Negra con una cara 2 que fuera Guitarra Blanca. Lo que me toca hacer ahora es captar todo aquello que sea obra de los jóvenes, todo lo que sea útil al proceso que estamos viviendo de reconquista de la democracia..."


LA COYUNDA: "...es una canción de amor; es casi un estilo pero no está exactamente en el molde del estilo. Una coyunda es un tiento de cuero vacuno, bien sobado, que sirve para unir los bueyes al yugo. Por lo tanto, la palabra coyunda está usada en connotación de amarradora, atadura, cosa que sujeta"


MILONGA MADRE: "Le puse Milonga madre porque intenta ser una alusión a los orígenes de la música rioplatense, en el sentido que la milonga es la madre del tango, y a mi criterio, modeló ese ritmo porteño" (se refiere al LP Milonga madre, pero puede aplicarse a la canción)


MILONGA PARA UNA NIÑA: "... está compuesta al estilo tradicional del hombre de campo uruguayo: en décimas, en tonos mayores y en tono de sol. No está inspirada en nadie en especial, aunque algunas situaciones y variados recuerdos, mancomunados, me han hecho componerla así, por alguna manera. La compuse pensando en dos o tres mujeres como ideales del amor; entre una de ellas y yo había cierta atracción pero nada más, nunca fuimos novios"


MIRE AMIGO: "La canción "Mire amigo" es de las que hoy suelen llamarse de tipo testimonial o de  protesta, aunque coincidiendo con Daniel Viglietti, prefiero llamarles de propuesta. Tiene un verso que hace referencia a aquellas elecciones que no sean dignas de confienza. En la época que hice esta canción, yo vivía mi época romántica de anarquista liberal. Es decir, mi anarquismo se consumía en el bar, en lo posible en discusión abierta con los liberales doctrinarios que decían, y sin razón, que todo anarquista termina por ser batllista. Fue la segunda canción que compuse. (...)
En Uruguay la estrené en un acto a beneficio de una escuela pública; en ese acto asistió el entonces Presidente Beltrán".


NENE PATUDO: "Esta canción habla de una colectividad de pescadores, gente proveniente del campo, hombres de a caballo, que han cruzado grandes arenales en busca de una vida mejor, que por cierto todavía no la hallan, y viven en la costa oceánica del departamento de Rocha, en el este de mi tierra.
En esa zona viven unas doscientas familias de pescadores dedicados a la pesca del tiburón, fundamentalmente a cierta variedad de tiburón conocida como 'trompa de cristal', que después se vende como bacalao, por cierto".


NIÑO CHRISTIAN: "Yo canté por primera vez como profesional, en el canal 13 Panamericano de Lina, a instancias de un amigo que era director de una agencia de publicidad y que me indujo a cantar. Se llamaba César Durand, un hombre magnífico, que tenía una enfermedad congénita, un efisema, y que sabía que le quedaba un año de vida. Había asumido su muerte próxima como sólo un ser excepcional lo puede asumir. Tenía cuatro hijos y el más pequeño, tenía un año. Se llamaba Christian, tenía el pelo rubio; era una preciosa criatura. Su madre se llamaba Luz.
En el año 75 fui a cantar a Córdoba, y estando en el hotel, me visitaron seis o siete jóvenes, entre ellos un muchachito de catorce o quince años, con zapatos grandes que evidentemente no eran de él, sin cordones, de ojos azules, pelo rubio y tez bien morena, muy sonriente, que me preguntó: '¿vos te acordás de mi?. Yo soy Christian Durand, el hijo de César'
Yo por supuesto no lo podía reconocer ya que lo había conocido cuando tenía un año. Nos saludamos, nos abrazamos, le di un beso... Su madre Luz era una mujer completamente loca, que después de morir su marido se dedicó a viajar y Christian prácticamente era un huérfano que estaba estudiando en Córdoba.
Vuelvo a Uruguay, y a los dos meses recibo una carta firmada: "los amigos de Christian", en la que me dicen que Christian Había muerto y que le haga una canción... De qué murió, ni cuando, ni cómo, no sé. Probablemente de la misma enfermedad que su padre. Sé que lo enterraron con él en Lima.
'Niño Christian' son de esas canciones que están ahí que no las canto, y que incluso no las podría cantar porque lloraría si lo hiciera. Y no se puede cantar llorando".



P'AL QUE SE VA: "... estaba dedicada en sus orígenes a las personas que desde el campo se trasladaban a la ciudad en busca de trabajo. Fenómeno éste obviamente que no es exclusivo de nuestro país, sino de la inmensa mayoría de los países que integramos la tan llevada y traída 'sociedad de consumo', para no hablar en otros términos. No obstante hoy está dedidicada a los uruguayos que emigraron del Uruguay".


PARA MANOLO: "Yo tengo un gran amigo gallego, casulamente llamado Manuel (Touriño), y por lo tanto conocido entre nosotros, sus amigos, como Manolo. Su oficio es ser bolichero, profesión bastante frecuente entre los gallegos, ¿verdad?. Se trata de un gran cantor, un hombre que no solamente tiene una estupenda voz, sino además una gran sensibilidad. Es además un gran republicano. Me a enseñado algunas canciones folklóricas de su Galicia natal. (...) Yo  compuse esta canción en homenaje a mi amigo Manolo, y la canción por lo tanto incluye algún fragmento de canciones folkloricas gallegas que él me enseñó y que hemos cantado juntos, a dúo y en coro. Desde el punto de vista de su ritmo es una invención, que consiste en mezclar una milonga criolla con unas alegrías andaluzas. Cosas que no tienen nada que ver entre sí, pero los contrarios enfrentados siempre dan un resultado; parece que eso es casi como una ley. Y en este caso al menos lo que se logra es aludir a la gaita gallega".


STEFANIE: "Entiendo que es una canción de amor que alude -quizá no de una manera no muy explícita- pero alude al hecho mismo de que la prostitución en el mundo capitalista, es nada más, en todo caso nada menos, que el resultado de la explotación del hombre por el hombre,no obstante es una canción de amor, al ser humano, no a la prostituta, a aquella mujer con la que uno pudo o no tener una relación sexual, pero sí una relación de afecto nacida a partir del conocimiento de que se trata a un ser humano que también es capaz de amar. Stefanie es una mujer con la que yo hablé en una boite, una noche, y que por razones de su profesión hubiera querido tener conmigo un trato profesional, pero fundamentalmente en la que yo recogí una afirmación suya, que es el primer verso de la canción y que era, que ella estaba ejerciendo la prostitución porque quería casarse con el hombre que amaba en Europa. Una mujer muy bella, hablaba muy mal el protugués, vivía en San Pablo. Ese fue el punto de arranque del tema, lo demás es una invención, que por cierto no está ajena a la realidad; yo hubiera querido meterme en la cama con ella, pero no fue así y en todo caso no importa la canción lo dice como qué si hubiera ocurrido. Creo que de ese modo la canción llega mejor a quien la escucha.Porque es digna de amor una prostituta, más que digna, tal vez sea la más desamada de las mujeres la que ejerce la prostitución; y ser desamado, todos los sabemos, es lo peor que le puede pasar a un ser humano".


RECORDÁNDOTE: "La primera canción que compuse fue "Recordándote", allá por los 60. La compuse para un amigo mío de CX 14, Nelson Rodríguez, inspirándome en el problema que él estaba viviendo. Traté de decir en ella, lo que supuse que él hubiese querido decir. Tiene ritmo de zamba porque en ese momento yo estaba muy influenciado por los ritmos folklóricos argentinos. (...) Este amigo estaba ennoviado con una amiga mía, y la compuse como si fueran a cantar Los Chalchaleros. Cuando la grabé para editarla, la canción ya tenía otro estilo".


sábado, 8 de marzo de 2014



Al-Khansa, poetisa árabe

Al-Khansa (gacela) coetánea de Mahoma en el siglo VII, vivió gran parte de su vida sumida en el paganismo hasta que su tribu, los Muzar, se convirtieron al Islam. Escribió sus versos en árabe, ayudada por su hija Amra. Los temas que aparecen en su literatura son elegías a la muerte de su padre, de sus hermanos y el luto. La vida en Arabia en el siglo VII se caracterizaba por las guerras constantes entre las distintas tribus de la península, tanto sus hermanos como su padre muerieron en estas guerras. Por si fuera poco de sus tres matrimonios tuvo siete hijos, cuatro de ellos murieron en la batalla de Qadasiya, una de las primeras batallas de la historia del Islam.

Su antología poética se conserva gracias a que los erúditos islámicos las utilizaban para estudiar el Corán:

“El tiempo me ha roído, mordido  y cortado.

El tiempo me ha dañado, me ha herido,

y ha destruido a mis hombres que han muerto juntos.

Esto ha conseguido inquietarme.

No había un puerto para el cruel

Que al igual que el sol halla refugio para el pueblo.

Vimos caballos galopar

y levantando polvo.

Y a los jinetes, con espadas brillantes, y grandes lanzas grises;

¿Aquel que con sus lanzas destroza cuerpos  se convierte en blanco mortal de las espadas?

Derrotamos a quienes pensaban

que nunca serían derrotados.






Ndèye Coumba


Poeta senegalesa que escribió “Filles du soleil” (Hijas del sol), un homenaje a las mujeres en el que muestra su preocupación por la suerte de las mujeres del Senegal y de toda África. Murió en septiembre del 2001.

Mi corazón es ardiente, como abrasador mi sol.

Grande también mi corazón, como África mi gran corazón.

Habitada de un gran corazón, más no puedo amar…

Amar a la tierra, amar a sus hijos.

Ser mujer, más no poder crear;

Crear, no sólo procrear.

Y, mujer africana, luchar.

Todavía luchar, para erguirse antes.

Luchar para borrar la huella de la bota que aplasta.

Señor!…luchar

Contra las prohibiciones, prejuicios, su peso.

Y, sin embargo!…

Seguir siendo Mujer africana, pero ganar la otra.

Crear, no sólo procrear.

Asumir su destino en el destino del mundo

Y aquel que piensa que no se verá perjudicado

piensa en lo imposible.

Evitamos acciones deshonrosas y honramos a nuestros huéspedes.

Y guardamos los elogios (de personas).

Llevamos las armas en la guerra

Y la seda, la lana y el algodón durante la paz . “





Safo de Lesbos (VI a.C.)


Poetisa que nació en la isla de Lesbos. perteneciente a la aristocracia, sufrió un tiempo de exilio en Silicia por un enfrentamiento familiar con el tirano Pítaco de Mitilene.

Mujer de gran belleza, tocaba la lira, con la que acompañaba sus composiciones poéticas. Se casó con un rico comerciante y, al quedar viuda y libre de obligaciones, fundó una escuela para mujeres jóvenes, donde daba clases de literatura, música, danza… No está suficientemente probada la hipótesis sobre el amor que sintió Safo por alguna de sus discípulas.

Platón la consideraba “La décima musa”. Escribió miles de composiciones, llegándonos a través del tiempo una pequeñísima parte, apenas se conservan unas 60. Tras su muerte,  se acuñaron monedas con su busto y los atenienses le hicieron una estatua de bronce.

“Quisiera estar muerta, y no miento;
ella me abandonó entre sollozos
y entre otras cosas me dijo:
“ay , qué terrible es lo que nos pasa,
Safo, créeme que te dejo contra mi deseo”.
Y yo le respondí: ve con bien
y acuérdate de mi,
pues sabes cómo te queríamos;
y si tú no, yo en cambio sí
quiero recordarte…
cuántos bellos momentos disfrutamos;
pues muchas coronas de violetas,
de rosas y también de azafranes
…junto a mí ceñiste,
y con muchas guirnaldas de olor
hechas de flores y trenzadas,
rodeaste tu cuello delicado;
y de abundante y cremoso ungüento
de brento y real perfumabas
a placer tu cabello;
y sobre blandos lechos
junto a suaves…
disipabas el deseo…”